domingo, 28 de abril de 2013

Cubismo: geometría, espacio y tecnología


Picasso. Les Demoiselles d'Avignon
MoMA Nueva York
© 2013 Estate of Pablo Picasso
Artists Rights Society (ARS), New York
La obra de Arthur I. Miller Einstein, Picasso: el espacio, el tiempo y los estragos de la belleza, plantea, desde un punto de vista científico, qué factores condujeron a Picasso a la construcción del cubismo, un nuevo lenguaje que rompe definitivamente con la tradición y abre paso a toda la vanguardia posterior y al arte conceptual. Hemos creido interesante resumir aquí algunos de los puntos que trata Miller sobre los intereses que motivaron a Picasso a una búsqueda más profunda y satisfactoria en la representación de espacio y tiempo. 

El cubismo supondrá un esfuerzo intelectual para todos sus implicados que, como el propio Picasso, buscan en estos momentos liberarse del pensamiento anterior. Los avances tecnológicos y científicos como la fotografía, el cine o los rayos X participan en la conformación de una nueva mentalidad y en la forma de concebir ciencia y arte. Picasso no será ajeno a todo esto y se interesará también por la ciencia de vanguardia que en estos momentos presta atención a la geometría no euclídea y a la cuarta dimensión. El impacto de las geometrías no euclídeas en el pensamiento filosófico de la época será enorme pues cuestionaban la concepción positivista de la ciencia y respaldaba la idea de la relatividad del conocimiento. Lo que se plantea en estos momentos es que, desde un punto de vista intelectual, era posible la existencia de múltiples geometrías en convivencia con la euclídea. Henri Poincaré está en la base de esta idea y en su obra La ciencia y la hipótesis traza un sistema filosófico que conseguía explicar como se pueden descubrir -intelectualmente- cualquier clase de geometría en cualquier número de dimensiones.

jueves, 25 de abril de 2013

El cubismo y la moda

Modelos con diseños de Sonia Delaunay, 1920s.
El cubismo no sólo supuso una revolución en el mundo artístico; también dejó una clara influencia en otros ámbitos, como el de la moda. En 1998, el Metropolitan Museum de Nueva York inauguró la exposición Cubism and fashion, cuyo objetivo era explorar las relaciones que los diseñadores han establecido desde principios del siglo XX con el cubismo en todas sus formas posibles. Como mencionó María en su entrada sobre los Delaunay, los diseños de vestidos con estampados y formas geométricas de Sonia Delaunay serían uno de los primeros encuentros de la moda con el estilo creado por Picasso y Braque.

Durante los años 20 y 30, las formas geométricas se introdujeron con fuerza en el vestuario, especialmente en el femenino, debido a la actividad de diseñadores como Madeleine Vionnet, Paul Poiret, Callot Soeurs o Jacques Doucet, cuyas creaciones reflejan la influencia del cubismo no sólo a través de la geometría, sino también de los colores y la asimetría, además de la reducción del volumen y pomposidad con respecto a la moda del siglo XIX, sentando un precedente para todo lo que ha venido después.

Diseños de Madeleine Vionnet, Callot Sœurs, Jacques Doucet (©The 
Metropolitan Museum of Art) y Paul Poiret (©Victoria & Albert 
Museum). Datan entre 1913 y 1935.

domingo, 21 de abril de 2013

La Section d'Or


A pesar de que Picasso y Braque intentaron evitar que el Cubismo se convirtiera en una moda, lo cierto es que la obra de algunos jóvenes artistas, seguidores de las propuestas de aquéllos, nos obliga a pensar que el Cubismo acabó por convertirse en una práctica generalizada.


Metzinger, Le goûter, 1911
Figuras como Gleizes, Metzinger o Léger, formaron parte de ese grupo de artistas que, en su intento por realizar nuevas propuestas cubistas, colaboraron en la propagación del movimiento, cuya difusión comenzó sobre todo a partir de la exposición en el Salón de los Independientes de 1911. En ella, junto a los tres artistas mencionados, participaron también Juan Gris, Delaunay, Le Fauconnier o Lhote, mientras que los líderes del Cubismo, Picasso y Braque estuvieron ausentes.

jueves, 18 de abril de 2013

El cubismo órfico de los Delaunay


Robert Delaunay,  La Torre Roja, 1912,  
Guggenheim Museum. Nueva York
El nombre de cubismo órfico se debe a Apollinaire, quien creó este término aludiendo al mito de Orfeo, en el cual la luz está en el origen del mundo, como está también en el origen de los cuadros orfistas. La luz hace ver el color, y ambos elementos juntos serán el tema principal del orfismo. Cuando acuñó esta denominación. Apollinaire se refería sobre todo a la serie de Ventanas de Robert Delaunay, pero junto con él, la otra gran representante del orfismo será Sonia Terk, su mujer, que pasará a llamarse Sonia Delaunay.

En 1907 Robert Delaunay descubre el cubismo de Braque y Picasso, y además frecuenta a otros artistas que se ligarán también al cubismo, como Metzinger o Lèger. Apollinaire, en su obra Meditaciones estéticas. Los pintores cubistas (1913), da una especie de  nómina de pintores cubistas, aparte de Picasso y Braque, y entre ellos destaca a Delaunay. Los Delaunay van a reinterpretar el cubismo, con elementos como la reintroducción  del color en sus obras, con experimentaciones y preocupaciones que no estaban presentes en las obras de Braque y Picasso. La importancia del color estará ligada en el orfismo al interés de Robert por  las obras de Seurat, así como a los estudios que los Delaunay hacen de la teoría de los contrastes simultáneos de Chevreul. Además, este color estará necesariamente ligado a la luz, como hemos señalado, y a un cierto dinamismo, que contrasta también con el estatismo del cubismo de Braque y Picasso. Este dinamismo se suele poner en paralelo con el de las obras futuristas y rayonistas. 

martes, 16 de abril de 2013

El Cubismo: dejando su huella incluso antes de nacer.

Con artistas como Antonio de Felipe este hecho se hace innegable: el Cubismo es, le guste o no le guste a uno, una forma estética capaz de impregnar hasta el último recoveco  del arte.

Y es que, incluso antes de que Picasso sentase las bases totales del movimiento, sus obras ya estaban marcando una profecía sobre su gran creación, la facetación de la realidad misma.

Podemos asegurar esto gracias a su maravillosa obra Las Señoritas de Avignon, aquellas que tan poco tenían de señoritas y que, aun cuando todavía se encuentren en el protocubismo, marcan ya un punto de inflexión hacia el camino iniciado por Picasso en esos años.


lunes, 15 de abril de 2013

Estos días escribiremos…


sobre Picasso y sus obras cubistas que desencadenaron toda una revolución en el arte occidental de inicios del siglo XX. La revolución había empezado ya en el año 1907 con las Señoritas de Aviñón pero el “manifiesto” de la nueva concepción del arte se publicó en 1913 por un amigo de Picasso y Braque, el poeta Guillaume Apollinaire. En Los pintores cubistas Apollinaire, recapitulaba en palabras, los propósitos y la manera de proceder de todos los jóvenes artistas que siguieron el camino nuevo que abrieron Picasso y Braque.
Citamos algunos de sus pensamientos que todavía hoy, justo 100 años después, nos conmocionan por su fe ardiente en la transcendencia del arte cubista de sus amigos y contemporáneos, un arte nuevo y rupturista, el arte que habían inventado Picasso y Braque:

Cada divinidad crea a su imagen; así crean los pintores. Los trazos de los artistas son la verdad y fuera de ellos no conocemos ninguna realidad. Pero la realidad no la podemos descubrir una vez por todas. La realidad será siempre algo nuevo

…La grande revolución de las artes la ha acometido Picasso casi sólo, lo que es el mundo y su nueva representación…

…muchos de los nuevos artistas sólo pintan cuadros sin un verdadero tema…Estos pintores, observan la naturaleza pero no la imitan y evitan cuidadosamente la representación de escenas naturales observadas y reconstruidas a través del estudio. La verosimilitud no tiene ninguna importancia, todo se sacrifica por el artista a favor esas verdades, esas necesidades de una naturaleza superior que el artista supone sin haberla descubierto…

…sin los poetas, sin los artistas los hombres se aburrirían enseguida de la monotonía natural…
…lo que diferencia el cubismo de la pintura antigua es que no se trata de un arte de imitación sino de un arte de concepción que tiende a elevarse hacia la creación…

…Nietzsche había adivinado la posibilidad de un arte que toma el universo infinito como ideal, que permite al artista-pintor de dar al objeto unas proporciones conformes al grado de plasticidad al que él desea llegar. Nietzsche había adivinado la posibilidad de este nuevo arte: “Oh Dioniso ¿porque me tiras las orejas? pregunta Ariadna a su amante filosófico en uno de sus célebres diálogos en la isla de Naxos. “Encuentro algo de muy placentero, muy agradable en tus orejas Ariadna: ¿Por qué no son todavía más largas?”…*

*Las citas provienen del libro de Guillaume Apollinaire Les peintres cubistes. Méditations Esthètiques, Genève, Éditions Pierre Cailler, 1950. El libro fue publicado por primera vez en 1913 en Paris por el editorial Eugène Figuière & Cie.

domingo, 14 de abril de 2013

Las cabezas picassianas de Andy Warhol

Andy Warhol. Head (after Picasso),1985.

Las últimas obras de Pablo Picasso atrajeron la atención de numerosos artistas en Nueva York, especialmente a raíz de la retrospectiva que le dedicó en 1980 el Museum of Modern Art, que se anunció como la exposición más completa sobre la obra de Picasso que se había hecho hasta la fecha en Estados Unidos. Este acontecimiento reavivó el interés por la pintura, especialmente en los jóvenes artistas, como George Condo o Jean-Michel Basquiat. Andy Warhol, mentor de éste último, se enfrentó finalmente a la obra de Picasso, a quien reverenciaba desde los años sesenta.

En 1985, Warhol compró la obra de Picasso Cabeza de mujer (1965), y realizó una serie de diecinueve pinturas inspiradas en ésta y otras obras similares. En concordancia con la moda de la vuelta a la pintura, Warhol abandonó para estas obras la serigrafía y las realizó con el pincel. Seleccionó una serie de obras lo más banales posible dentro de la producción de Picasso (sobre todo dibujos, que tomó del famoso catálogo razonado de Christian Zervos), proyectó una transparencia de cada una de ellas en un lienzo, y dibujó sus contornos. Siguiendo un procedimiento casi serial, fue transformando este esquema a su antojo, jugando con los colores y las líneas, reduciendo las imágenes a sus elementos esenciales hasta que dejasen de parecer un Picasso. En una de estas obras, Warhol une cuatro dibujos de Picasso en una sola imagen, como solía hacerlo en muchas de sus creaciones, lo que permite realizar un paralelismo entre la enorme productividad del pintor español y los productos manufacturados de Warhol.
                                                                              

sábado, 13 de abril de 2013

Las femmes fatales de Picasso y De Kooning

P. Picasso, Las señoritas de Avignon, 1907, Moma
W. De Kooning, Two women, 1951, Collección Steve Martin*
  
En los años 1983-1984, con motivo de unas exposiciones en Nueva York sobre De Kooning y Picasso, se le pidió a Robert Rosenblum escribir sobre los dos artistas. Y el crítico de arte americano, en un breve ensayo titulado Las mujeres fatales de Picasso y De Kooning* escribió sobre la idea de la figura femenina.

De Kooning era 23 años más joven que Picasso. De origen holandés, se estableció en Nueva York a sus 22 años y tuvo la oportunidad de conocer a la obra de Picasso, como hicieron todos los artistas que vivían en la metrópolis americana durante los años 1930-1940, en el Museum of Modern Art del West Fifty-third Street en la Gallatin Colection del New York University del Washington Square o en la retrospectiva de 1939 organizada por Alfred Barr. Si Pollock, Newman o Still intentaron destruir a Picasso alejándose de lo figurativo, De Kooning fue el único que se aferró en la figura humana femenina. En los años 1950-1953 pintaría una serie de mujeres que el mismo describió como: ...female painted through all the ages, all those idols…


viernes, 12 de abril de 2013

Off-Topic. Esto lo pinta hasta un... ratón!


Milton ManetasMichal Migurski ha desarrollado esta aplicación en homenaje a Pollock que nos permite juguetear con la técnica del dripping sin movernos del ordenador y sin mancharnos la ropa.

Mi propio dripping con ratón!
Os invitamos a probarla y de paso a reflexionar sobre en qué se ha convertido el arte en nuestros días y el papel que juegan las nuevas tecnologías. Pintores como Picasso, Pollock o Warhol (¿nunca  has visto "un Warhol" en una reprografía?) han calado de forma más clara en la cultura de masas que otros artistas y de mito han pasado a ser objeto de consumo.

¿Es esto necesariamente perjudicial para el arte? Desde luego entra en conflicto con la idea de su sacralización de los últimos tiempos. Quizás sea inevitable que ocupe otras posiciones, dado que el mismo concepto de "arte" está siempre en continua mutación. 

Y vosotros, ¿qué pensáis?

Por cierto, por lo visto la aplicación está disponible para Ipad.

jueves, 11 de abril de 2013

Picasso en el expresionismo abstracto


John Graham. White Pipe, 1930
NY University Art Collection, Nueva York
El origen del expresionismo abstracto americano sucede en una época convulsa y de transformaciones, tanto en el ámbito político-social como en el cultural. Entre la Gran Depresión de los años treinta y el fin de la Segunda Guerra Mundial, los conflictos y el establecimiento del nuevo orden mundial  desembocarán en una profunda crisis moral que afectará también a la cultura. El mundo del arte en EEUU vive una etapa de renovación, vinculada a la transformaciones que experimenta el propio país y a las instituciones gubernamentales -Federal Arts Projects (FAP)- que junto a la proliferación de museos y galerías, empiezan a promover un arte de vanguardia propiamente americano. Con todo, en esta primera etapa está aún muy presente la influencia de la vanguardia europea del lenguaje cubista y el neoplasticismo de Mondrian en los Artistas Abstractos Americanos (AAA) en su camino hacia la abstracción pura. 

En realidad, aunque coincidían en algunos presupuestos, ninguno de los innovadores del expresionismo abstracto perteneció nunca al AAA. Se aglutinaban en tres grupos: “The Ten” con Rothko y Gottlieb; un segundo grupo en torno a la escuela de Hans Hofmann y un tercero que incluía a Davis, Gorky, De Kooning, John Graham y David Smith. Picasso será realmente importante para los dos últimos grupos. Su método compositivo proporcionó la base para las enseñanzas de Hofmann que se fundamentan en el dibujo de Picasso y el color de Matisse. Para Hofmann eran tres los factores a tener en cuenta a la hora de pintar: la naturaleza y sus leyes, la personalidad, imaginación y intuición espiritual del artista; y el medio y las leyes que le son propias.

martes, 9 de abril de 2013

Off-Topic: Antonio Olano en la vida de Picasso.

 

Sería gracias a Luis Miguel Dominguín por quien este periodista y escritor gallego tuvo la oportunidad de penetrar en el círculo social del afamado pintor, forjando una amistad de más de 25 años. 

Mi encuentro con el maestro fue en su casa de la Costa Azul. El torero me había advertido que sus relaciones eran muy raras y que, pese a que se le anunciaba visita, de pronto podía marcharse de viaje, ponerse enfermo o buscar alguna disculpa para no abrir sus puertas. Pese a todo, se cnvirtió en mi mejor amigo. 

De esta manera penetraba en su vida el que sería encargado de escribir dos de las que se han considerado como mejores biografías del artista; obras, "Picasso íntimo" y "Picasso y las mujeres", donde ofrece una extensa definición de su vida y obra, haciendo declaraciones tales como: 

Picasso entronizaba, deseaba tener "para siempre", pero un para siempre, que, como todo lo definitivo en él, tenía un límite de tiempo

lunes, 8 de abril de 2013

Off-Topic sobre el Guernica

Por cierto, como hemos visto que hay gente interesada por el tema del Guernica os dejamos un documento de RTVE muy bueno sobre la historia de la obra. Está muy bien porque hay testimonios de supervivientes de Guernica, así como una grabación de Picasso hablando en español (posiblemente la única que exista), y alguna otra de personajes como Dora Maar o Josep Renau. Esperamos que lo disfrutéis: La historia del Guernica de Picasso

La retrospectiva de 1939 y su impacto sobre Louise Bourgeois


Louise Bourgeois, cuyo trabajo hemos podido ver en la reciente exposición de la Casa Encendida, se cuenta entre los artistas que visitaron la retrospectiva que el MoMa realizó sobre Picasso en 1939:  "Picasso: Forty Years of his Art". El catálogo de esta exposición se convertirá en un muestrario de la vanguardia europea para los artistas americanos de los años 40 y 50. Esta muestra, organizada por  Alfred Barr,  tenía como fin mostrar la diversidad de las obras de Picasso, creando así ese abanico de posibilidades de vanguardia que tanto sorprendió a artistas como Louise  Bourgeois. Barr ya había optado por subrayar la figura de Picasso en exposiciones previas, como "Cubism and Abstract Art" (con 29 obras de Picasso) y "Fantastic Art, Dada, Surrealism" (con 8 obras del español). Ambas exposiciones, de 1936, son sólo el preludio de cómo el MoMa, en 1938-39, adquiere Girl before a Mirror (1932) y Les Demoiselles d´Avignon (1907). La adquisición de esta última obra se anuncia junto con la exposición, pues Barr sabe que esto aumentará el atractivo de la muestra. Además, con estas dos adquisiciones el Modern consigue tener la colección de Picassos más importante del momento. 
Quarantania, 1941,  Whitney Museum of American Art

Louise Bourgeois, francesa, se trasladó a Nueva York con su pareja, Robert Goldwater. En Nueva York, una joven Louise de 28 años visitó la retrospectiva de Picasso y nos dejó escrita la siguiente impresión sobre la exposición del MoMa: "Habréis oído que hubo una exposición de cuatrocientas obras de Picasso (cuarenta años de trabajo). Era tan bonita, y revelaba tanto genio y una colección tan inmensa de tesoros que no volví a tocar un pincel durante un mes. Me quedé completamente bloqueada.".

En 1940-41 Louise hace dos obras sin nombre que se ha relacionado con la impresión que esta retrospectiva le causó. En ambas obras vemos rostros de perfil (en la imagen de abajo a la derecha, en blanco y negro) que, ciertamente, parecen tomados del vocabulario picassiano. La exposición del Withney Museum propone que también esté en relación con Picasso la escultura Quarantania de Bourgeois, que podría estar directamente inspirada de unas esculturas de Picasso publicadas en los Cahier d´art.


sábado, 6 de abril de 2013

Off-Topic. Mañana en La 2...

ACTUALIZACIÓN

¿No pudiste ver el documental?
No hay problema. Ya está disponible en RTVE a la carta.

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Mañana por la noche en La 2 de RTVE, dan el documental Picasso infinito de Jaume Boix, sobre su relación con la ciudad de Barcelona.

Pablo Picasso y Ramon Reventós en el Guayaba, Barcelona, 1906
© Arxiu Històric Museu Picasso

¡No hay que perdérselo!
Buen fin de semana a todos ;)

viernes, 5 de abril de 2013

miércoles, 3 de abril de 2013

Lichtenstein. El Picasso más Pop.

Conocido es el caso de que Picasso anduvo allá por 1937 por la Rue des Grands Agustins de París, donde instalaría su estudio. Este estudio abrió su puerta tras la Segunda Guerra Mundial a Roy Lichtenstein, que animado por la obra del pintor había querido conocer el lugar donde la había creado. Lichtenstein, abrumado por la emoción y el entusiasmo de tal oportunidad, no cruzó la puerta: empieza así la marca de Picasso sobre el americano.

Picasso ve en el cubismo una suma de destrucciones. Partiendo de un determinado objeto, es posible realizar muchas abstracciones, cada una de las cuales arroje cierta luz sobre la oculta verdad. La realidad es para él la suma de toda posibilidad.   

Picasso atiende a otras culturas, a otro tiempo, mitologiza, Picasso reflexiona.

Picasso dijo en su día para llegar a una abstracción es necesario partir siempre de una realidad concreta…siempre hay que comenzar por algo completo. Luego, despojándoles de todos los rastros de la realidad, ya no habrá ningún peligro porque la idea del objeto habrá dejado ya una impronta indeleble. La realidad es lo que pone en marcha al artista, lo que exalta sus ideas y mueve sus emociones.

Era inevitable, con todo esto no podía menos que admirarle. Su tentación se convierte entonces en encontrar la vanguardia histórica, consagrada a lo eterno por su merecido derecho a conservarse en los mejores museos, pero siempre igual de sorprendente.

martes, 2 de abril de 2013

Max Weber: la llegada de Picasso a Nueva York


Max Weber, Two Figures, 1910
La introducción en Estados Unidos de la vanguardia europea, y en concreto, de la obra de Picasso, se la debemos en buena medida a Max Weber. Este ruso de nacimiento se trasladó con sólo diez años a Norteamérica, donde inició una formación artística que se vería completada en su viaje a París, a donde marchó en 1905. Fue en la capital francesa donde pudo conocer  el nuevo arte que se extendía por Europa: estudió junto a Matisse, conoció la obra de Cézanne y Picasso, y entabló amistad con una de las familias de coleccionistas más influyentes, los Stein.
De vuelta a Nueva York, Max Weber trajo consigo el conjunto de pinturas que había realizado durante sus años parisinos, así como una pequeña colección de arte contemporáneo que incluía una obra de Matisse, copias en blanco y negro de algunas pinturas de Cézanne, y junto a ello, un pequeño bodegón de Picasso. Es gracias a los detalles que de la compra de esta naturaleza muerta recogen algunos documentos conservados, como podemos afirmar que Weber conoció el estudio de Picasso en Bateau Lavoir mientras estuvo en París.

El interés que Picasso despertó en Weber desde el primer momento, no sólo lo podemos comprobar en la adquisición de sus obras, como la que hemos mencionado, sino también en la pintura que el propio Weber realizaría tanto en sus años en París como en los posteriores. En efecto, mientras los neoyorquinos eran casi desconocedores de ese nuevo arte europeo, Picasso, así como Matisse, Cézanne o Braque, despertaron pronto la admiración de Weber, convirtiéndose en importantes referentes para su pintura.


En los próximos días...

En septiembre de 2006, el Whitney Museum of American Art (Nueva York) organizó una exposición que examinaba el papel fundamental de Pablo Picasso en el desarrollo del arte en Estados Unidos durante el siglo pasado.

Picasso and American Art en el Whitney Museum of American Art. Photograph by Sheldan C. Collins.
Picasso and American art, que posteriormente viajó al San Francisco Museum of Modern Art y al Walker Art Center de Minneapolis, se basaba en la yuxtaposición de obras de Picasso con pinturas, esculturas y dibujos creados en respuesta a éstas por un grupo muy heterogéneo de sus contemporáneos y sucesores.

Aunque Picasso nunca visitó los Estados Unidos, sus obras enseguida cruzaron el Atlántico al ser adquiridas por grandes coleccionistas y museos norteamericanos, además de para exhibirse en  importantes exposiciones, como el Armory Show de 1913.

La posibilidad de un contacto directo con las obras de Picasso dejó su huella en varias generaciones de artistas, algunos de los cuales interpretaron abiertamente su estilo o tomaron su trabajo como punto de partida, mientras que otros muchos también se interesaron por el que era considerado el artista más importante del siglo, aunque la influencia de éste no sea tan clara en sus obras.

"Los tres músicos" de Picasso (1921), y detalle de "Colonial Cubism" de Stuart Davis (1954).
Copyright 2009 The New York Times Company
La muestra, cuyo catálogo puede consultarse en la biblioteca del MNCARS, incluía obras de un gran número de artistas, como Max Weber, Stuart Davis, Louise Bourgeois, Arshile Gorky, Willem de Kooning, Jackson Pollock, Roy Lichtenstein, Jasper Johns o Andy Warhol. Seleccionaremos algunos de ellos y analizaremos la presencia de Picasso en su producción artística.